ITALY
Luciano Caggianello ist ein italienischer Künstler, dessen Karriere durch vielfältige Erfahrungen und tiefgründige intellektuelle Neugier geprägt ist. Von seinen Anfängen als Grafikdesigner, Illustrator und Art Director bis zu seiner aktuellen Praxis, die physische Materialien mit digitalen Technologien kombiniert, hat sich Caggianello kontinuierlich weiterentwickelt. Seine künstlerische Philosophie, die er selbst als „Metallurgie des Denkens“ bezeichnet, konzentriert sich vollends auf einen konzeptionellen Ansatz und intellektuelle Experimente. In diesem Interview führt uns Caggianello durch seine aussergewöhnliche künstlerische Reise, offenbart seine kreativen Prozesse und teilt seine Ansichten über die Rolle der Kunst in der zeitgenössischen Gesellschaft.
Ihre künstlerische Reise umfasst eine breite Palette von Stilen, von figurativer Kunst bis zum Konzeptualismus. Wie hat die Entwicklung Ihres Stils Ihre aktuelle künstlerische Praxis und Philosophie beeinflusst?
Mein künstlerischer Weg war sehr vielfältig, ebenso wie mein beruflicher Werdegang. Ich begann in der Werbung als Grafikdesigner, Illustrator und später als Art Director, bevor ich schließlich mein Interesse auf die Bereiche Architektur, Industriedesign und Autodesign verlagerte. Dieser Weg wurde wahrscheinlich bereichert, entwickelt und variiert, weil ich immer meine intimste und tiefgründigste intellektuelle Neugier befriedigen wollte.
Offensichtlich hat sich der Künstler, der ich einst war, zusammen mit meiner Praxis und Philosophie im Vergleich zu dem Künstler, der ich heute bin, verändert. So sehr, dass ich jetzt lieber als „Kreativer“ statt als „Künstler“ bezeichnet werde. Kreativ zu sein bedeutet, verschiedene Prozesse sedimentiert zu haben, vielleicht alternative Systeme oder Werkzeuge zu verwenden, sodass die Idee, das Konzept und der Gedanke die Haupt- und vorherrschenden Symbole im Umgang mit einem Rahmenwerk werden, das ästhetische, visuelle, künstlerische, planerische, soziale und kommunikative Elemente umfasst.
Was dann grundlegend wird und einen konnotativen Wert annimmt, wird nur durch die Fähigkeit erreicht, diese Parameter auszudrücken und sicherlich nicht dadurch, wie wir uns selbst nennen oder wie andere uns vielleicht etikettieren.
Ich bin überzeugt, dass Persönlichkeit, einschließlich der künstlerischen und kreativen, durch intellektuelle und kognitive Prozesse und Methoden ausgedrückt wird. Dies ist die Synthese von Talent, nach der man lernt, die Werkzeuge zu benutzen, die als Mittel dienen, aber nicht zum Hauptziel werden. Dies ist in der Tat der Unterschied zwischen Können und Talent, und diejenigen, die sich obsessiv auf Können konzentrieren, können nur gute Handwerker werden, sicherlich aber keine großen Künstler.
Um die Analyse des Persönlichkeitskonzepts abzuschließen, kann ich sagen, dass, wenn ein Individuum eine Sättigung des Wissens erreicht (obwohl niemand jemals genug gesättigt sein wird ...), diese intellektuelle Fähigkeit nützlich oder vorherrschend wird, um in andere Bereiche destilliert, abgelenkt und integriert zu werden. Kurz gesagt, nur durch das Ansammeln von Wissen wird man fähig und geeignet, es zu übertragen. Umgekehrt, wenn man nichts ansammelt, werden die Bedingungen nicht existieren, um irgendeine Kompetenz, Fähigkeit, Information oder Konzept an jemanden zu übertragen, selbst wenn man ihn als Künstler, Genie oder Superstar bezeichnen oder definieren kann.
Ihre Werke kombinieren oft physische Materialien mit digitalen Technologien. Können Sie erklären, wie dieser hybride Ansatz zu Ihrem künstlerischen Ausdruck beiträgt und was Sie damit erreichen möchten?
Tatsächlich glaube ich, dass es nicht der Ansatz (hybrid oder anders) ist, der zu meinem künstlerischen Ausdruck beiträgt, sondern das Gegenteil ist der Fall; die Ausdruckskraft bestimmt und validiert wahrscheinlich die Identifikation einer spezifischen Kreation durch ein Medium und nicht durch ein anderes.
Ich bin jedoch absolut überzeugt, dass das Medium, so interessant, angenehm oder ästhetisch es auch sein mag, nur ein Werkzeug darstellt, um ein Konzept zu lenken. Was bedeutsam ist, ist der Gedanke, der zum Hauptprotagonisten wird, die Essenz des Konzeptualismus, und es ist genau dieser andere Ansatz, sowie die Wahrnehmung bei der Entwicklung einer tiefgründigen kommunikativen Sprache, die mich denken lässt, dass es zumindest in konzeptionellen Begriffen ein starkes Argument ist. In visuellen Begriffen stammt die prägnanteste Unterstützung jedoch aus der Möglichkeit, ein Bild oder ein Artefakt zu liefern, das auch einen ästhetischen Wert und eine eigene Fähigkeit hat, sich in einer harmonischen, eleganten und möglicherweise innovativen Weise zu präsentieren, ohne eine Obsession oder einen unbestreitbaren Grund zur Wahl zu werden.
Eines Ihrer jüngsten Projekte wurde 2020 im Contemporary Art Museum ausgestellt. Können Sie uns mehr über dieses Projekt, sein Konzept und die Reaktionen des Publikums erzählen?
Wenn wir über jüngste Ausstellungen in Museen sprechen würden, sollten wir auch das Chianciano-Museum für die Biennale 2022 oder andere wie das Civic Museum of Anzio, das Textile Museum, das Open Art Museum, das Automobile Museum, MAVV, das Museum der Künste, das Museu De Arte Moderna Aloisio Magalhães, das Museu Murillo La Greca, das Fossil Museum, das MIIT Museum, das Waldensian Museum, das Muspac und viele andere erwähnen, auch wenn ich jetzt nicht beabsichtige, daraus eine sterile und selbstzweckhafte Liste zu machen.
Jeder Ort bestimmt die Arbeit oder Werke, die in ein spezifisches Projekt eingefügt und kontextualisiert werden, und auch das Projekt von 2020 koexistierte mit diesen Annahmen und diesen Rahmenbedingungen sowie mit einer gewissen „sozialen Geographie“, die vor allem durch die Covid-Periode und ihre damit verbundenen Implikationen bestimmt wurde. Tatsächlich fügte sich das, was ich bei dieser Ausstellung präsentierte, genau in die Stimmung eines sehr heiklen und besonderen historischen und sozialen Moments ein. Obwohl das Ausstellen in Museen für viele Künstler, Kritiker und Kuratoren ein absolutes Zeichen des Erfolgs ist, glaube ich, dass der Ort kein Konzept bestimmen oder validieren sollte, insbesondere wenn das Konzept selbst fragil oder sogar nicht existent ist. Ich sage dies, ohne die Museumsstätten abwerten zu wollen, sondern nur, um darauf hinzuweisen, dass es notwendig ist, ein ziemlich allgemein verbreitetes Bewertungsparadigma zu ändern und daher immer den Inhalt dem Behälter vorzuziehen.
Was jedoch die Reaktionen des Publikums betrifft, mache ich mir nie große Sorgen um solche Urteile, nicht weil ich desinteressiert, zynisch oder intolerant gegenüber den Meinungen anderer bin, sondern einfach weil ich nicht die Idee kultiviere, allen gefallen zu müssen oder zu können.
Ihre künstlerische Philosophie konzentriert sich auf die „Metaphysik des Denkens“ und intellektuelle Experimente. Können Sie erklären, was Sie damit meinen und wie Sie es in Ihrer Arbeit anwenden?
Da meine Kreativität und mein künstlerischer Prozess vom Alltag sowie von anderen intellektuellen Ideen wie Philosophie oder sogar Geschichte beeinflusst werden, habe ich die Entwicklung meiner Forschung als „Metallurgie des Denkens“ definiert.
Diese Metallurgie, die auch metaphysisch wird (genau weil sie mit dem Denken verbunden ist, also eine Art Schmieden des Begriffs), führt zur Ausarbeitung von Konzepten der Synthese, des existenziellen Komforts, intellektueller Experimente, verbaler Innovationen, visueller Alternativen der partizipativen Spannung, um dann, nur nach diesem langen und komplexen inneren Wandern, zur Bewusstheit eines präzisen Sinnes zu gelangen. Tatsächlich greift der Mensch, obwohl er sich selbst unaufhörlich experimentiert, immer auf die Unvermeidlichkeit einer konkreten Verhaltensrealität zurück und muss daher einen Interpretationsschlüssel liefern.
Da ich denke, dass Freundlichkeit ohne Ehrlichkeit zu Opportunismus wird und Ehrlichkeit ohne Freundlichkeit in strengen Zynismus umschlägt, versuche ich bei der Anwendung meiner künstlerischen Philosophie und der damit verbundenen Kommunikation immer, ehrlich und freundlich zu sein, selbst auf Kosten des Missverstanden Werdens. Verstehen erscheint als ein tiefer Akt des Vertrauens, welches aus dem Dialog entsteht, in dem es keine Identifikation mit dem Erreichen eines Sieges gibt; tatsächlich ist nicht immer der Beste derjenige, der gewinnt, sondern derjenige, der mehr Begeisterung und Freude am Leben hat.
Wie nähern Sie sich dem Prozess der Erstellung Ihrer Installationen und Skulpturen? Gibt es eine spezifische Methode oder ein Ritual, dem Sie folgen, wenn Sie ein neues Projekt beginnen?
Obwohl mein Ansatz auf kreativen Methoden basiert, neige ich dazu, keine präzise und strategische Arbeitsroutine festzulegen, insbesondere keine Verhaltens- oder Gewohnheitsroutine. Mein Geist hat sich daran gewöhnt, Reize in den unterschiedlichsten Kontexten zu empfangen; meine ideale Umgebung ist eine, die sich in der Nähe von Metamorphosen, Geschichten, alternativen Visionen, aber auch Fehlern sowie konkreter existenzieller Phänomenologie befindet. Mein innerer Hintergrund wird nicht vorwiegend ausgestellt, außer im expressiven und kontextuellen Willen des Konzepts. Natürlich verarbeite und verfeinere ich nach dem Erfassen meiner Intuitionen diese im Studio, passe sie einem spezifischen Medium an, um sie zu ihrer endgültigen Aussage zu lenken. Da ich in der Lage bin, digitale Medien, Skulpturen, Installationen, Malerei (in all ihren Formen) und auch Grafik oder Illustration nach Wunsch zu verwenden, interpretiere ich das Werk daher, indem ich über das Medium nachdenke, das besser als andere in der Lage ist, es zu synthetisieren, zu interpretieren und zu verbessern.
Da ich außerdem entdeckt habe, dass diejenigen, die im Leben nicht in der Lage sind, zu überzeugen, verzweifelt versuchen, zu erstaunen, passt sich mein Ansatz dem Thema der Überzeugung in einer möglicherweise höflichen Weise an (manchmal sogar mit einer kleinen ironischen Dosis), ohne die Notwendigkeit, zu schreien, und versuche, meine Überzeugungen (die keine Gewissheiten sind, und das möchte ich noch einmal betonen) aus einer Perspektive vorzuschlagen, die eine vollständige Bedeutung erreicht.
Wie sehen Sie die Rolle der Kunst in der zeitgenössischen Gesellschaft? Glauben Sie, dass Kunst sozialen Wandel einleiten kann, und wenn ja, wie?
Kunst und folglich der Künstler sind Vermittler von Konzepten, aber auch von Absichten, von Referenzen und tiefgründigen Beispielen bezüglich der Gesellschaft, wobei sie diese nicht als vage abstrakte Entität, sondern als lebendiges Publikum bewusster Individuen verstehen. Daher versuche ich, einen ethischen Konsens zu erzielen, eher als einen ästhetischen, auch wenn das Wort „Ethik“ im Wort „Ästhetik“ enthalten ist, aber jetzt möchte ich den etymologischen Aspekt der lexikalischen Begriffe überwinden. Tatsächlich sollte die Absicht der Kunst über das Ziel der reinen intellektuellen Spekulation oder der fetischistischen künstlerischen Konzeption hinausgehen und sich auf die tiefere Konzeption der Nützlichkeit und des Dienstes richten. „Dienen“ bedeutet nicht in Widerspruch zur Suche nach dem Gleichgewicht des Individuums zu stehen, und das Vorschlagen ethischer Konzepte bedeutet genau dienen, einbeziehen.
Es ist wahr, dass ein Kriterium zur Definition akzeptabler Grade der Abhängigkeit und des Teilens nur durch die Bereitschaft anderer, sich zu engagieren, bestimmt wird, aber es ist notwendig zu verstehen, dass der Lernprozess Expansion, Bewusstseinserweiterung ist, und diese Methodik wird nicht nur durch Anstrengungen integriert, sondern wird durch Intelligenz unterstützt.
Wenn der normale Mensch Intelligenz sucht, um sie zu demonstrieren und zur Schau zu stellen, versucht der weise Mensch stattdessen, sie zu verbergen, so sehr, dass es vielleicht auch eine „weise“ Kunst gibt, die in der Lage ist, jede greifbare Affektiertheit zu vermeiden, um sich zu zeigen. Wahre, tiefgründige Kunst muss nicht erscheinen (und hier kehrt das Konzept des Überzeugens und Erstaunens zurück ...), ihr Sein ist ausreichend, und dies führt den Betrachter zur Teilnahme, indem es ihn zu den Dynamiken des Denkens, der Vorstellungskraft und der mentalen und inneren Öffnung anregt. Wenn uns die Kunst ihre gesamte Botschaft enthüllt, wird sie zu einer Art Dogma und hört auf, ein Werkzeug für das Wachstum oder die Transformation von Wünschen zu verkörpern. Kunst muss als Grundlage ihrer Essenz neben angemessenen Botschaften auch Ideale, Träume, Utopien und vor allem ethische Konzepte besitzen, die zur Reflexion, zum Wandel und zur Entwicklung führen.
Was sind Ihre Pläne für die Zukunft? Arbeiten Sie derzeit an neuen Projekten, die Sie mit unseren Lesern teilen möchten?
Natürlich arbeite ich hart daran, einige Ziele zu planen und zu verfolgen, aber gleichzeitig bin ich immer offen für die unvermeidliche Fluktuation des täglichen Lebens, die sich ständig verändert und vielleicht manchmal neue Szenarien, Ereignisse und Chancen aufzeigt. Gerade aufgrund dieser Variabilität lasse ich das Teilen nur nach Erreichung geschehen.
Die einzige „Strategie“, die ich teilen möchte, ist die Möglichkeit, immer frei zu sein, meine Konzepte ohne Zwang, Manipulation oder Spekulation auszudrücken. Wenn ein Hindernis auftauchen sollte, denke ich, dass ich einen solchen Weg sicherlich verlassen würde. Tatsächlich glaube ich, dass wahre Freiheit sowie wünschenswerte soziale Innovation darin bestünde, ein ernsthaftes „sozialpädagogisches Projekt“ zu schaffen, das effiziente kulturelle Werkzeuge bietet und in der Lage ist, zu informieren oder zur Reflexion anzuregen, sodass niemand, ohne es zu wissen, zum Ziel von Eroberungen wird. Es wäre wünschenswert, diese weit verbreitete mangelnde kritische Denkfähigkeit einzudämmen und gleichzeitig die fortschreitende Schwächung der individuellen ethischen und sozialen Verantwortung jedes Einzelnen zu stoppen.
Nachsicht sollte für niemanden zur Tugend werden, denn jede Haltung extremer Unterwürfigkeit oder totaler Toleranz wird immer noch als schädlich angesehen. Manchmal wäre es absolut angemessen, Objekte, Kommentare, Hinweise, Produkte, Ratschläge abzulehnen, vielleicht zu sagen, dass sie uns nicht gefallen und dass wir uns nicht darauf einlassen möchten. Kurz gesagt, kraftvoll zu erklären, dass wir keine psychologische Unterordnung gegenüber bestimmten Missbräuchen (wie Werbung, Fernsehen oder einigen sozialen Figuren wie Influencern ...) zeigen wollen, stolz wahres und tiefgründiges kritisches Denken zu zeigen. Nur durch die Hilfe und tadellose Praxis wirklich verwurzelten ethischen und moralischen Verhaltens könnten wir eine Revolution, oder vielmehr eine konkrete und bedeutende Evolution, hervorrufen.
© Luciano Caggianello
Das Interview mit Luciano Caggianello offenbart die Komplexität und Tiefe seines künstlerischen Ausdrucks. Seine Fähigkeit, verschiedene Medien und Technologien zu kombinieren, zusammen mit seiner Hingabe zur Konzeptkunst, macht ihn zu einer einzigartigen Stimme in der Kunstwelt. Caggianellos Kunstphilosophie, die auf intellektuellen Prozessen und tiefer Reflexion beruht, inspiriert und regt zum Nachdenken an. Seine Werke sind nicht nur visuell ansprechend, sondern auch intellektuell stimulierend und bieten den Betrachtern die Möglichkeit, sich mit tiefergehenden Überlegungen über die Welt um sie herum auseinanderzusetzen.
Photos: © Luciano Caggianello