FRANKREICH
Jean-Paul Soujol Benedetti ist ein Künstler, dessen fotografische Kreationen eine tiefe Verbindung zu Ästhetik, reinen Formen und minimalistischer Philosophie widerspiegeln. Obwohl er seine fotografische Reise erst später im Leben begann, führte ihn seine Leidenschaft für Natur, Licht und zeitgenössische Malerei dazu, Werke zu schaffen, die durch ihre Schlichtheit fesseln und gleichzeitig ein komplexes Spiel von Linien, Farben und Formen zeigen. Durch sorgfältig ausbalancierte Kompositionen und technische Präzision erkundet Jean-Paul Soujol Benedetti die Grenzen zwischen dem Realen und dem Imaginären, zwischen dem Natürlichen und dem Synthetischen und bietet uns eine einzigartige Vision der Welt durch sein Objektiv.
Ihre fotografische Karriere ist tief von der zeitgenössischen Malerei inspiriert. Können Sie uns erzählen, wie Sie Ihre Reise in die Welt der Fotografie begonnen haben und was Sie ursprünglich zum Minimalismus hingezogen hat?
Ich habe erst spät, im Alter von 51 Jahren, mit der Fotografie begonnen. Es war die Schönheit der Natur und ihres Lichts, die mich dazu inspiriert haben, Fotografie zu verfolgen. So begann ich mit Landschaftsfotografie. Ich fühlte eine tiefe Dringlichkeit, Landschaften auf eine andere Weise festzuhalten, Licht und Komposition zu nutzen, um einzigartige Merkmale hervorzuheben, die den Betrachter einladen, vertraute Landschaften auf eine neue und zum Nachdenken anregende Weise zu erleben. Ich erhielt während lokaler Ausstellungen viel positives Feedback von Menschen, die überrascht und bewundernd waren von dem, was ich präsentierte. Sie entdeckten eine andere Landschaft durch meine Fotografien. Dies war sehr motivierend und ermutigend für mich. Diese Periode dauerte einige Jahre, durchlief Nachtfotografie (Milchstraße, Sternschnuppen) und Infrarot (experimentell). Dann musste ich mich weiterentwickeln. Die Offenbarung war die Entdeckung des quadratischen Formats. Es hat wirklich meine Art zu fotografieren verändert. Ich verstand sofort, dass ich mit diesem Format zu einem anderen fotografischen Stil übergehen würde. Meine Leidenschaft für reine Formen, Ästhetik und Einfachheit in der zeitgenössischen Kunst machte Minimalismus zu einer natürlichen Wahl. Ich habe diese Phase wirklich genossen, da sie mich herausforderte, kreativer zu werden.
Ich musste meine Art zu fotografieren, zu komponieren, ändern. Ich musste quadratisch denken und nicht nur einen quadratischen Ausschnitt eines Bildes machen. Ich hatte das Format gefunden, das zu mir und meinem neuen fotografischen Stil passte, aber ich musste eine neue Technik finden, die perfekt zu diesem Wechsel passen würde. Dafür habe ich die Langzeitbelichtungstechnik gewählt. Es war auch eine große Offenbarung mit der Entdeckung der ND (Neutraldichte)-Filter. Seitdem ist dieses Duo ein Teil meiner Arbeit, und ich kombiniere es mit verschiedenen Techniken wie ICM (Intentional Camera Movement). Für mich ist Minimalismus eine kreative Herausforderung. Es fordert mich heraus, das Wesentliche zu erfassen. Es ist aufregend, die Quintessenz einiger Elemente aus einem Ganzen, das das Auge sehen kann, herauszuziehen. Es mag einfach und leicht erscheinen, wenn man sich ein Bild ansieht, aber die Realität ist anders, und genau das fordert mich heraus und motiviert mich.
Espace Inaugural Contemporary
Ihre Werke verwenden oft Blau und den Horizont als Schlüsselelemente. Wie haben die Einflüsse von Künstlern wie Pierre Soulages, Mark Rothko und Yves Klein Ihre künstlerische Vision geprägt?
Blau war schon immer meine Lieblingsfarbe. Blau ist Leben! Blau beeinflusst unsere innere Freude; es bringt Vergnügen und Glück. Schauen Sie sich einen grauen Himmel und einen blauen Himmel an, wir haben nicht das gleiche Gefühl. Der Horizont ist eine reine und unendliche Linie, die zwei Elemente trennt. Also wählte ich das Meer und seinen Horizont als neue Leitlinie für meine minimalistischen Projekte mit einer Suche nach Reinheit und Ästhetik. Das Entdecken der drei großen Künstler, die Sie erwähnt haben, ermöglichte es mir, tiefer in meine künstlerische Forschung und meine Farberkundung einzutauchen. Yves Kleins Monochrome und sein Blau (IKB) beeinflussten mich in einigen der monochromen Kreationen, die Sie im Portfolio „Espace Inaugural“ sehen können. Ich war auch sehr von Mark Rothkos abstrakten Kompositionen angezogen, wie „Rust and Blue“, „Blue divided by blue“ und „Yellow, Pink and Lavender on Rose“, die ebenfalls in „Espace Inaugural“ zu sehen sind. Trotz dieser Einflüsse bleibt „Espace Inaugural“ ein sehr persönliches Werk. Ich entdeckte Pierre Soulages und sein „Outrenoir“ im Musée Fabre in Montpellier (Frankreich), sie verführten mich bis in die Tiefe meines Seins. Der Wunsch kam in mir auf, in der Fotografie mit Schwarz als einer anderen Farbe zu arbeiten und es mit Blau zu verbinden. Dies ist, was man in den Portfolios „Contemporary“, „Le Bleu dans le Noir“, aber auch in den Fotografien „Black Matter“, „Between Real and Unreal“ sehen kann. Ich denke, es ist schwierig, die Quintessenz von Schwarz in der Fotografie zu erfassen. Es erfordert große Strenge in der Belichtung, kombiniert mit subtiler Beleuchtung, die die Struktur des Schwarzes skulptiert. Für mich ist es eine echte Herausforderung, weil man schnell seine Substanz verliert. Das Zusammenspiel von Schwarz und Blau dient als tiefgreifende Inspirationsquelle, die es mir ermöglicht, Abstraktion zu erforschen und zeitgenössische Werke zu schaffen.
Die 'URSULA'-Serie stellt einen innovativen Ansatz dar, indem sie eine Schaufensterpuppe in verschiedenen Situationen platziert. Was hat diese Serie inspiriert und was ist das konzeptionelle Ziel dahinter?
Seit einiger Zeit habe ich versucht, plastische Elemente in meine minimalistische Landschaftsfotografie zu integrieren. Ich wollte etwas Synthetisches zum Natürlichen hinzufügen. Ich mag Abstraktion wegen ihres zeitlosen Charakters, aber es reichte nicht aus, um meine Kreativität zu befriedigen. Ich brauchte etwas anderes, um es zu ergänzen, ein neues Element hinzuzufügen, ein Rätsel. Also wandte ich mich dem Konzeptionellen zu. Es ermöglicht mir, meine Kreativität in eine andere Welt zu erweitern, die der rätselhaften Vorstellungskraft. „Wenn die Idee zum Bild wird“ ist jetzt mein neues Konzept. Die Idee intellektualisieren, um sie in eine Kreation zu verwandeln. Anfangs suchte ich nach blauen Plastiksteinen, die ich auf einem schwarzen Sandstrand platzieren wollte. Als ich nicht fand, wonach ich suchte, kam mir die Idee, Hühnerfüße zu verwenden. Die Serie heißt „Chicken Paradise“.
Das Ziel war es, an zwei gegensätzlichen Themen zu arbeiten. Einerseits Eleganz und andererseits Vulgarität in sehr grellen Farben. Nach dieser Serie, die Ende 2021, Anfang 2022 produziert wurde, entwickelten sich die Hühnerbeine zu einer Schaufensterpuppe mit der Idee, sie in verschiedenen Umgebungen zu platzieren. Ende 2023 wurde das URSULA-1-Projekt geboren. In diesem Projekt interessiere ich mich nur für die Beine der schönen URSULA (ich sollte den Lesern sagen, dass URSULA auch der Name des Modells ist). Warum nur die Beine? Meiner Meinung nach zieht dieser Teil des Körpers die Vorstellungskraft des Betrachters an und stellt Fragen. Ich habe mich entschieden, den gesamten Körper nicht zu verwenden, um das Erscheinungsbild einer Leiche zu vermeiden, sondern stattdessen mit verschiedenen Teilen der Schaufensterpuppe zu spielen, um meine Arbeit rätselhafter zu gestalten. Die Arbeit besteht darin, dieses Rätsel präzise in die fotografische Komposition zu integrieren, um überraschende, innovative und ästhetisch ansprechende Bilder zu schaffen. Der Blick des Betrachters ist ebenfalls sehr wichtig. Er muss diese Bilder für sich interpretieren und Raum für seine Fantasie lassen. Um diese Aussage abzuschließen, werde ich Pierre Soulages zitieren:
„Das Werk lebt von der Art, wie wir es betrachten. Es ist weder auf das beschränkt, was es ist, noch auf die Person, die es produziert hat. Es besteht auch aus der Person, die es betrachtet.“
The photographic series "Ursula" by Jean-Paul Soujol Benedetti
Ihre Kunst erforscht die Reinheit von Linien und Formen. Wie definieren Sie Minimalismus in Ihrer Kunst und was ermöglicht Ihnen dieser Ansatz auszudrücken, was andere Techniken möglicherweise nicht tun?
Ästhetik war schon immer im Mittelpunkt meiner Arbeit, umso mehr, wenn wir Minimalismus machen. Die Kombination der beiden ermöglicht diese Suche nach Reinheit der Linien und Formen. Für mich ist der Horizont das erste empfindliche Element, es muss rein und sauber wie ein Faden im Raum gespannt sein. Es ist das Schlüsselelement meiner Arbeit. Es bestimmt die Grenze zwischen dem Vordergrund und dem Himmel. Für mich evoziert seine Schärfe Unendlichkeit, aber auch die Trennung der beiden Welten, die verschwommen sein können, wie in „Espace Inaugural“, „Contemporary“ und „Fine Art“, oder scharf, wie in „Mer en scènes“, „Carré bleu“ und „Horizon“. Ich mag es, präzise und rigoros in meinen Linien und Formen zu sein, wie in „San Cataldo“. Dieser minimalistische und ästhetische Ansatz ist eine Errungenschaft, eine Synthese meiner Weltsicht. Digitale Fotografie gibt mir die Präzision, die ich für meine Kreationen benötige.
Ihre Fotografien sind bekannt für ihre außergewöhnliche technische Qualität und Präzision. Können Sie uns mehr über die von Ihnen verwendeten Techniken erzählen und wie Sie sich auf die Erstellung jedes einzelnen Werkes vorbereiten?
Vor Ort, nachdem ich sorgfältig mein Motiv gefunden habe, stelle ich meine Kamera immer auf ein Stativ. Es ist etwas wie die Staffelei eines Malers. Das Stativ ist das wichtigste zusätzliche Werkzeug. Es ist das kreative Werkzeug. Es ermöglicht mir, meine Langzeitbelichtungen zu machen, sei es unscharf oder scharf, und auch, die Horizontalität meiner Kamera so präzise wie möglich einzustellen. Sobald die Kamera an ihrem Platz ist, werde ich meine abgestuften und neutralen Filter entsprechend dem Licht und der Dauer, die ich auf meine Belichtungszeit anwenden möchte, platzieren. Sobald das Foto aufgenommen ist, bleibt es eine Skizze. Ich arbeite immer im Rohsensorformat (RAW) und die Kamera im manuellen Modus. Es ist in meinem Büro, wo die Fotografien ihre wahre Identität annehmen werden. Die Skizze vor Ort wird zu einer Kreation. Die Nachbearbeitung am Computer ist eine sehr lange Phase, die je nach Komplexität dessen, was ich suche, mehrere Tage oder sogar Wochen dauern kann. Das ursprüngliche Bild durchläuft einen Workflow von drei Softwareprogrammen. Jedes bringt eine Reihe von Prozessen mit sich und sie ergänzen sich gegenseitig, um das endgültige Bild zu erzeugen, das dann in den Formaten TIFF (unkomprimiert für Fine Art-Drucke) und JPEG (Digitaldruck, Web) gespeichert wird.
Ihre neuesten Arbeiten sind abstrakter geworden und beinhalten innovative und konzeptionelle Ansätze. Wie sehen Sie die Entwicklung Ihres Stils und was treibt Sie in diese neue Richtung?
Derzeit arbeite ich an zwei Polen: minimalistischer Fotografie und konzeptioneller Fotografie. Minimalistische Fotografie ist in zwei Themen unterteilt: Langzeitbelichtung für meine hauptsächlich maritimen Landschaften und abstrakte Fotografie, die näher an der zeitgenössischen Malerei liegt. Letztere wird sich weiterentwickeln. Ihre Ressourcen sind enorm, unermesslich. Die Entwicklung wird von meinen kreativen Wünschen, laufender Forschung und zukünftigen Inspirationen angetrieben. Meine Arbeit mit Schwarz und Blau entwickelt sich schnell und ich spüre, dass sie großes Potenzial für die Zukunft hat. Der konzeptionelle Teil meiner Arbeit ist ebenfalls voller Ressourcen und wird sich in andere Projekte und Stile entwickeln.
Was können wir von Ihren zukünftigen Projekten erwarten? Haben Sie neue Serien oder Konzepte, die Sie derzeit entwickeln und die Sie gerne mit unserem Publikum teilen würden?
Meine zukünftigen Projekte werden zunehmend im Panoramformat im Verhältnis 2:1 sein. Dies können Sie bereits in „Contemporary“, „Espace Inaugural“ und „Le Bleu dans le Noir“ sehen. Dieses Format eröffnet mir eine andere Dimension des Raumes und verstärkt die Vision der Unendlichkeit noch weiter. URSULA wird sich natürlich zu URSULA-2 entwickeln. In dieser neuen Serie werde ich ihren Oberkörper und ihre Arme inszenieren. Ich habe auch zwei weiter entfernte Projekte (2026) in Sizilien, eines, das sich auf Schwarz und Blau konzentriert, die Fortsetzung von „Contemporary“, und das andere konzeptioneller, das in den Windungen von IL Cretto di Buri stattfinden wird. Ich habe auch ein Projekt zur Veröffentlichung einer Monographie, die von Beatrice Cordaro (Kunsthistorikerin und Kuratorin) geschrieben werden soll, und eine Teilnahme an der XV. Biennale für Kunst und Design in Florenz, die im Oktober 2025 stattfinden wird.
"Acidulated"
Jean-Paul Soujol Benedetti ist ein Künstler, der minimalistische Ästhetik meisterhaft mit konzeptionellem Ausdruck verbindet und Fotografien schafft, die den Betrachter herausfordern, die Grenzen zwischen Kunst und Realität neu zu überdenken. Seine Leidenschaft für reine Formen, zusammen mit der kontinuierlichen Entwicklung seines Stils, macht ihn zu einem der faszinierendsten Künstler unserer Zeit.
Wir laden alle Kunstliebhaber ein, seine exklusive virtuelle Einzelausstellung zu besuchen, die in Zusammenarbeit mit dem Artistic Hub Magazine organisiert wurde. Diese Ausstellung bietet eine einzigartige Gelegenheit, tiefer in Soujol Benedettis Werk einzutauchen und den Zauber seiner „URSULA“- und „Contemporary“-Serien zu entdecken. Klicken Sie auf den Link und tauchen Sie in die Welt von Jean-Paul Soujol Benedetti ein: Besuchen Sie die Ausstellung.
Photos by Jean-Paul Soujol Benedetti
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