LONDON | UK
Jessie Lijiaqi ist eine Künstlerin, die es schafft, chinesische Malerei, Kunstgeschichte und digitale Medien in einzigartigen, inspirierenden Projekten zu vereinen, die menschliche Emotionen, besondere Gemeinschaften und soziale Systeme erforschen.
Ihre Werke sind nicht nur individuelle Ausdrucksformen, sondern kollektive Werke, die die Stimmen marginalisierter Gemeinschaften durch Konzepte wie öffentliche Interventionen und urbane Räume verstärken.
In diesem Interview teilt Jessie ihre künstlerische Reise, Methoden und Inspirationen und zeigt auf, wie Technologie eine Schlüsselrolle in ihrem kreativen Prozess spielt.
Ihre Arbeiten erstrecken sich über eine Vielzahl von Medien und Themen. Wie haben Sie Ihren besonderen künstlerischen Stil entwickelt und was inspiriert Sie, chinesische Malerei, Kunstgeschichte und digitale Medien so zu kombinieren?
Meine Neugier hat mich immer wieder dazu getrieben, verschiedene Formen der Kreation auszuprobieren. In diesem ständigen Prozess des Erkundens lerne und wachse ich. Für mich ist die Entwicklung eines künstlerischen Stils eine lange, wechselhafte Reise und ein Prozess kontinuierlicher Selbstprüfung und -erforschung.
Vor über zehn Jahren begann ich, chinesische Malerei zu lernen. Während des Malprozesses entdeckte ich meine Leidenschaft für das Schaffen. Dies führte dazu, dass ich eine Kunstakademie besuchte, um systematisch Malerei zu studieren. Hier spürte ich die einzigartigen Eigenschaften der westlichen Malerei und Skulptur sowie der traditionellen chinesischen Malerei.
Kunstgeschichte wurde zu meiner Brücke, die mir half, Kunst zu verstehen. Die Idee der 'Fusion' begann sin meinem Kopf zu formieren. Ich fragte mich: „Welche neuen Möglichkeiten gibt es für das Schaffen? Können 2D-Gemälde zu 3D-Installationen werden? Was, wenn sie virtuell und digital sind?“ Mit diesen Fragen wandte ich mich der digitalen Medienkunst zu, von Filmen und Spielen bis hin zu kombinierten Installationen. Durch die Kombination audiovisueller Elemente bemühe ich mich, die Geschichten und sozialen Probleme hinter der Kunst besser zu vermitteln.
Könnten Sie die Konzepte der 'öffentlichen Intervention' und 'urbanen Räume' in Ihren Projekten näher erläutern? Wie beeinflussen diese Konzepte die Gemeinschaften, mit denen Sie arbeiten?
Öffentliche Interventionen basieren auf einem spezifischen Ort und kombinieren die Umgebung, Geschichte und den Kontext, um mit dem Publikum zu interagieren. Ich studiere und analysiere eine bestimmte Situation und versuche, ortsspezifische Werke zu schaffen, die den Ort selbst beeinflussen und gleichzeitig breitere soziale Probleme und den komplexen Hintergrund der Stadtentwicklung reflektieren.
Ein urbaner Raum ist ein Gemeinschaftsraum, der für die Menschen geschaffen wurde, wo jeder diskutiert, teilt und erschaffen kann. Mein Ziel ist es, in diesem Raum mit dem Publikum zu sprechen, wo jeder teilnehmen kann und jede Stimme gehört wird. Kunst ist nicht mehr nur die Schöpfung eines einzelnen Künstlers, sondern ein Produkt kollektiver Beteiligung. Dies hat meine bisherige Gewohnheit verändert, Inspiration aus dem Leben und dem Publikum für meine Kreationen zu ziehen, hin zu der Frage, was ich dem Publikum durch meine Arbeit bringen kann. Was kann das Publikum von einem Kunstwerk gewinnen, ist zu einer Frage geworden, die mich beschäftigt.
Ihre Arbeit konzentriert sich darauf, die Stimmen marginalisierter Gemeinschaften zu verstärken. Welche Methoden verwenden Sie, um mit diesen Gemeinschaften in Kontakt zu treten und ihre Geschichten durch Ihre Kunst darzustellen?
Das Durchführen von Feldforschung in der Gemeinschaft ist sehr wichtig. Der einfachste, aber grundlegendste Ansatz ist es, so oft wie möglich das Gemeindezentrum zu besuchen, ehrenamtlich zu arbeiten oder mit den Bewohnern zu kommunizieren. Dieser Prozess ermöglicht es mir, nach und nach Verbindungen zu den Menschen aufzubauen und Vertrauen und Freundschaften zu entwickeln. Auf der Grundlage gegenseitigen Vertrauens können wir dann tiefere Gespräche führen. Während des gesamten Prozesses dokumentiere ich die Interaktionen durch Bilder, und ein Video, das diese subtilen Emotionen einfängt, ist immer Teil des endgültigen Projekts.
Sie beschreiben Technologie als eine Brücke zur Übermittlung von Emotionen. Könnten Sie uns mehr darüber erzählen, wie Technologie in Ihrem kreativen Prozess eine Rolle spielt? Was sind einige konkrete Beispiele Ihrer Werke, die diese Idee am besten veranschaulichen?
Digitale Technologie kann mir helfen, Modelle von Installationen und Räumen zu erstellen, um die Situation, die ich erforsche, besser zu verstehen, und sie unterstützt mich auch bei der Erstellung von Filmen für die Projekte.
Im Projekt "When We Look into Each Other’s Eyes"habe ich Hochzeitsaufnahmen und Familienvideos restauriert, die meine Mutter vor 1993 aufgenommen hat. Dadurch konnte ich das Leben meiner Eltern und meiner Familie sehen. Basierend auf diesen Videos kehrte ich in die Stadt zurück, in der meine Mutter ihre Kindheit verbrachte, um die Geschichte meiner Familie nachzuvollziehen. Diese Videomaterialien spiegeln in gewisser Weise den Alltag der meisten ostasiatischen Familien wider. In einer Ära, in der Technologie vorherrscht, hoffe ich, dass meine Arbeit zu ihrem Wesen zurückkehrt – reine Emotionen.
Dies kann beim Publikum Anklang finden.
When We Look Into Each Other’s Eyes, 2023, Video Installation
The Digital Alchemy: Transforming Pixels into Emotions, 2023, Womanmade Gallery, Chicago
Ihr künstlerisches Portfolio umfasst vielfältige Projekte und Ausstellungen. Welche Projekte oder Ausstellungen waren für Sie am bedeutendsten und warum?
'When We Look into Each Other’s Eyes' ist ein bedeutendes Installationswerk für mich, weil es für meine Mutter und alle Mütter geschaffen wurde. Schließlich erweiterte ich dieses Thema und produzierte ein Video namens 'Lihong und Jiaqi' nach meiner Mutter und mir.
In der Vergangenheit zog ich ständig in neue Städte, um meine künstlerischen Träume zu verfolgen, und meine Mutter war die unterstützende Person. Als ich nach Großbritannien kam, wurde mir durch die große Entfernung und den Zeitunterschied bewusst, dass ich sie lange nicht gesehen hatte. Das Abendessen war die einzige Zeit, in der ich mit meiner Mutter sprach, als wir zusammenlebten. Als ich mein Gesicht durch den Spiegel auf dem Tisch sah, während ich in Großbritannien lebte, schien es, als würden sich das Gesicht meiner Mutter und meines allmählich überlappen. Ich hatte mich nach einer fernen Welt gesehnt, aber allmählich vergessen, wie meine Mutter aussah. Ich bin ein wesentlicher Teil ihres Lebens, aber ich habe nie wirklich ihre Vergangenheit ergründet. Ich begann, nach ihr zu suchen und unsere Erinnerungen zu umarmen. Meine Mutter nahm auch an der Vorbereitung des Projekts teil. Sie und einige andere Zuschauer waren bei der endgültigen Ausstellung sehr bewegt. Einige Zuschauer kamen, um mich zu umarmen, und andere erzählten Geschichten über ihre eigenen Mütter.
All dies ist zu einer Motivation für mich geworden, mich in Zukunft öffentlichen Beteiligungsprojekten in der Gemeinschaft zu widmen.
Wie haben Sie Ihre Ausbildung und Erfahrungen aus verschiedenen kulturellen Hintergründen (China, Großbritannien) genutzt, um Ihre künstlerische Praxis zu gestalten?
China und Großbritannien haben völlig unterschiedliche Kulturen, Denkweisen und soziale Strukturen, was sehr interessant ist und mir mehr Möglichkeiten für künstlerisches Schaffen gibt. Es ermöglicht mir auch, über Kunstschaffen aus einer objektiven dritten Perspektive nachzudenken. Zum Beispiel kehre ich nach einem langen Aufenthalt in Großbritannien nach China zurück, um die belebten Märkte und kleinen Gassen zu beobachten.
Im Vergleich zu den Städten in Großbritannien mag dies ungezwungener, chaotischer und sogar weniger durchdacht und geplant erscheinen. Aber die Einheimischen haben ihre eigenen Lebensregeln. Das ist für mich voller Kunst und Anziehungskraft. Meine Praxis in Großbritannien hat mir eine akademischere und rigorosere Haltung vermittelt. Es gibt viele hervorragende Künstler als Vorbilder, was die Entwicklung eines reiferen kreativen Prozesses begünstigt.
Was sind Ihre Pläne für die Zukunft? Arbeiten Sie derzeit an neuen Projekten, die Sie mit uns teilen möchten?
Die Vielfalt und Möglichkeiten des künstlerischen Schaffens zu erkunden, wird etwas sein, dem ich auch in Zukunft nachgehen werde. Derzeit bin ich von der Geschichte der chinesischen Einwanderer im Limehouse-Gebiet von London, das einst Londons erstes Chinatown war, tief fasziniert. Diese Spuren sind jedoch jetzt verschwunden. Erst als ich einige Briefe von Bewohnern und ihren Familien in der Narrow Street fand, konzentrierte ich mich auf die persönlichen Gegenstände, die die Menschen bewahrten und mit sich trugen, und wurde neugierig auf die Geschichten hinter diesen Gegenständen.
Wenn wir umziehen oder migrieren, tragen wir immer unser persönliches Gepäck mit uns, und durch diese Gegenstände können wir möglicherweise einen Einblick in unsere vergangenen Lebenserfahrungen gewinnen. Ich hoffe, zu erforschen, wie persönliche Gegenstände die Erinnerungen und Emotionen von Einwanderergemeinschaften in Bezug auf ihre Vergangenheit tragen.
Jessie Lijiaqis künstlerische Reise ist eine Inspiration dafür, wie Kunst als Brücke zur Übermittlung von Emotionen und sozialen Botschaften dienen kann. Durch Projekte wie 'When We Look into Each Other’s Eyes' gelingt es Jessie, die Vergangenheit mit der Gegenwart zu verbinden und universelle Themen wie Liebe, Familie und Gemeinschaft zu vermitteln. Ihre Fähigkeit, Technologie zu nutzen, um tief emotionale und visuell ansprechende Werke zu schaffen, sowie ihr Engagement, die Stimmen der Marginalisierten darzustellen, machen sie zu einer herausragenden Künstlerin in der zeitgenössischen Kunstwelt. Wir freuen uns auf ihre zukünftigen Projekte und darauf, was sie der Kunstwelt noch bringen wird.
Photos: Jessie Lijiaqi