Nika Nuova -Erinnerungen in Kunst gewebt
- ARTISTIC HUB MAGAZINE
- 27. März
- 6 Min. Lesezeit
MILAN | ITALY
Die Vergangenheit ruht nie. Sie verweilt in Objekten, in den Spuren der Materialien, in Stoffen, die Berührungen erinnern. Nika Nuova erschafft nicht aus dem Nichts. Sie entdeckt, sammelt, lauscht den Geschichten, die Materialien in sich tragen, und formt daraus Werke, die mit der Zeit pulsieren. Ihre Kunst ist nicht nur Form. Sie ist eine vielschichtige Komposition, in der sich Emotionen und Geschichte verweben. Von Industriedesign bis hin zu künstlerischen Installationen war ihr Weg geprägt von der Befreiung aus der Funktion zugunsten des Ausdrucks. Ihre Werke sind keine passiven Objekte, sondern Treffpunkte von Vergangenheit und Gegenwart, von Rauheit und Zartheit, von rohem Material und leiser Emotion. Indem sie nicht nur Stoffe, sondern auch Erinnerungen neu interpretiert, stellt sie eine zentrale Frage: Wie viele vergangene Leben können in einem einzigen Kunstwerk Platz finden?
In diesem Gespräch erzählt sie, wie sie ihre Materialien auswählt, warum Form und Gefühl untrennbar bleiben müssen und wie ihre Kunst Weiblichkeit und den Lauf der Zeit erforscht, der uns alle prägt.
Dein künstlerischer Weg begann in der Welt der Mode und des Industriedesigns, doch mit der Zeit hast du dich vollständig dem Textil und der Schaffung einzigartiger Kunstwerke gewidmet. Was war der Wendepunkt in dieser Entwicklung, und inwiefern hat dein Hintergrund im Design deinen künstlerischen Ansatz bis heute geprägt?
Design ist ebenfalls Kunst, aber es unterliegt bestimmten industriellen Regeln – etwa den Produktionskosten, die berücksichtigt werden müssen. Man ist in seinem Ausdruck nicht ganz frei. Ich habe es früher genossen, mit den Gegebenheiten zu ringen, um bestimmte Formen in Produkten zu realisieren und sie in die Häuser der Menschen zu bringen. Doch allmählich begann mich die Idee zu faszinieren, mich von Alltagsgegenständen zu lösen. So entstand meine erste Installation – Flügel aus Porzellantellern, sehr dekorativ. Außerdem hatte ich bereits das Gefühl, dass ich mich in diese Richtung bewegen sollte, dass ich Geschichten zu erzählen hatte, dass ich aus Fragmenten von Erinnerungen etwas Ganzes erschaffen wollte. Die große Menge an Materialien aus verschiedenen Phasen meines Lebens beschäftigte mich ebenfalls. Ich wollte ihnen ein zweites Leben geben. So begann mein Weg als Textilkünstlerin. Zu Beginn habe ich ausschließlich Materialien mit einer Geschichte verwendet. Das war ein essenzieller Bestandteil meiner Arbeit – aus einer Geschichte eine neue zu weben. Alles fügte sich im Textil zusammen: Das Ornament selbst erzählt eine Geschichte, meine Berührung mit dem Material ist eine weitere. Die Farben der Stoffe sind gegeben – sie lassen sich nicht mischen oder verdünnen. Sie bestimmen bereits eine bestimmte Stimmung, transportieren eine Information.
Indem ich mit all diesen gegebenen Elementen arbeite, erschaffe ich eine neue Bedeutung. Einerseits macht das meine Aufgabe komplexer, andererseits bringt es mich näher an die Realität des Lebens. Denn genau so leben wir – wir begegnen den Gedanken und Ideen anderer und verleihen ihnen neue Bedeutungen.
Die Arbeit mit recycelten Materialien umfasst oft Objekte, die mit persönlichen Geschichten aufgeladen sind – von Familienkleidungsstücken bis hin zu Zeitungsausschnitten. Nach welchen Kriterien wählst du deine Materialien aus, und in welchem Maße beeinflussen die Erinnerungen, die sie tragen, das Endergebnis deiner Werke?
Ich liebe Materialien, die bereits eine „Vergangenheit“ haben. Sie tragen zusätzliche Bedeutungen in sich, eröffnen neue Perspektiven auf das Werk. Und wer sich darauf einlässt, kann all das in meinen Arbeiten wiederfinden. Vintage-Materialien zum Beispiel erzählen leise ihre eigene Geschichte – innerhalb des Rahmens, den ich ihnen gebe.
Die Ästhetik alter Stoffe fasziniert mich besonders. Doch sie erfordern eine neue Lesart – wie eine musikalische Neuinterpretation. Alte Dinge erhalten neue Bedeutungen, neue Klangfarben, und genau diese Vielschichtigkeit wird sichtbar. Kleine Fragmente von Vintage-Stoffen verleihen modernen Arbeiten einen unerwarteten, einzigartigen Ton – wie klassische Instrumente, die das Konzept noch stärker unterstreichen.
Das Werk Anxious Joy erforscht die Komplexität von Emotionen, indem es kindliche Freude mit der Last erwachsener Verantwortung verbindet. Wie übersetzt du Emotionen in Textilien, und in welcher Weise helfen Textur und Farbe, sie zu vermitteln?
Für mich persönlich ist Textil gleichbedeutend mit Emotion. Die Menschheit hat über Jahrhunderte hinweg unzählige Muster und Texturen in Stoffen entwickelt, die unmittelbar ein Gefühl transportieren. Es ist wie der Geschmack eines bestimmten Gerichts – er existiert bereits, wir können nur mit ihm experimentieren und ihn hervorheben.
Anxious Joy vereint viele Elemente meiner eigenen Geschichte, die mir besonders am Herzen liegen. Das gesamte Werk ist von ihnen durchdrungen. Es enthält Teile der Kleider meiner Großmutter, mit erstaunlichen Ornamenten aus den 1940er-Jahren. Solche Muster sind in modernen Materialien kaum noch zu finden. Ebenso finden sich Elemente meiner eigenen Kleider darin – auch sie mit Stoffmustern, die heute selten geworden sind. Dadurch erhielt ich zusätzliche Farbtöne und Möglichkeiten, die Emotion, die mir wichtig war, noch intensiver auszudrücken.
Obwohl Textilien dein primäres Medium sind, hast du auch mit anderen Materialien und Techniken experimentiert. Was treibt dich dazu an, über Textilien hinauszugehen, und wie entscheidest du, welches Medium eine bestimmte Idee am besten ausdrückt?
Für mich ist es eine Frage der kontinuierlichen Suche. Natürlich sind Textilien mein Hauptmaterial – sie sind meine Farben, meine Sprache. Aber die Möglichkeiten, die es heute gibt, sind so vielfältig, dass ich mich nicht künstlich begrenzen möchte. Ich lerne, ich höre auf mich selbst, ich probiere Neues aus, ich beobachte, wie es sich für mich anfühlt und wie es von anderen wahrgenommen wird. Es ist wie das Zusammenstellen von Zutaten – alles hängt davon ab, welches Ergebnis man am Ende erzielen möchte.
Du betrachtest Kunst nicht als strikt männlich oder weiblich, und doch ist Weiblichkeit ein bewusstes Element in deinen Arbeiten. Wie zeigt sich diese Dimension in deinen Werken, und welche Rolle spielt sie in deinem künstlerischen Ausdruck?
Oh, das ist mein Lieblingsthema.
Es hat eine gewisse Dualität, eine doppelte Botschaft: Einerseits wird viel und laut darüber gesprochen, andererseits gilt es immer noch als heikel, es direkt anzusprechen. Ich denke, dass Frauen und Männer die Welt unterschiedlich wahrnehmen. Nicht grundsätzlich, aber in den Details der Ästhetik, in dem, worauf wir achten. Dinge, die Frauen betonen und die uns wichtig sind, werden von Männern oft übersehen oder als nebensächlich betrachtet – und in der Gesellschaft dadurch weiter abgewertet. Am Ende läuft es darauf hinaus, dass man, um als bedeutsam zu gelten, die Spielregeln der Männer akzeptieren muss. Damit bin ich nicht einverstanden.
Ohne zu viel vorwegzunehmen, kann ich sagen, dass ich gerade an einem Projekt arbeite, das diese Idee sehr genau illustrieren wird. Ich hoffe, dass die Menschheit dieses Thema in Zukunft ohne überflüssige Nervosität, sondern mit echtem Interesse diskutieren kann. Momentan ist es noch so, dass selbst einige meiner engsten Freundinnen, selbst in einem sicheren Raum, davor zurückschrecken, sich klar dazu zu äußern – es bleibt das Gefühl, auf einem schmalen Grat zu balancieren.
Ein starker visueller Eindruck und eine überzeugende Idee sind wesentliche Elemente deiner Arbeit. Wie schaffst du es, Ästhetik und Konzept in Einklang zu bringen, und war es im Laufe deiner künstlerischen Entwicklung eine Herausforderung, dieses Gleichgewicht zu halten?
Die Idee ist zweifellos wichtig. Aber für mich persönlich ist die Ästhetik essenziell. Ich habe den Eindruck, dass die Kunstwelt heute ein wenig müde ist von reiner Konzeptkunst. „Anti-Ästhetik“ war lange Zeit populär, doch unsere Augen haben sich daran sattgesehen. Ästhetik kann viele Formen annehmen – aber sie muss vorhanden sein. Wir kehren allmählich zu Werken zurück, die man ansehen möchte, von denen man den Blick nicht abwendet. Das Spannendste daran ist, dass sich die Natur erneut als Inspirationsquelle für diese Ästhetik anbietet. Natürlich sollte ein Kunstwerk etwas erzählen, es sollte mit den Betrachtenden in Dialog treten. Der konzeptionelle Aspekt ist nicht verschwunden. Fotografie hält den Moment fest, Design ordnet die Ästhetik dem Alltag unter. Kunst hingegen zeichnet sich durch eine fragile Kommunikation aus, die die tiefsten Schichten berührt. Sie ist ein innerer Dialog – vielleicht eine Auseinandersetzung, vielleicht eine völlige Akzeptanz –, aber sie ist niemals eine Form, die sich der Industrie unterordnet, unabhängig davon, welches Medium verwendet wird.
Hingabe und Disziplin prägen deinen kreativen Prozess – du wartest nicht auf Inspiration, sondern kultivierst sie aktiv. Wie stellst du dir die Zukunft deiner Arbeit vor? Gibt es neue Themen, Techniken oder Materialien, die du erkunden möchtest?
Irgendwann im Leben kehrt man zu seiner Kindheit, seiner Jugend zurück – oder anders gesagt, man setzt sich erneut mit Dingen auseinander, die längst vergangen sind. Zumindest empfinde ich es so. Ich bin dankbar für die vielen unterschiedlichen Erfahrungen, die ich sowohl im Design als auch im Leben insgesamt sammeln durfte.
Jetzt ist der Moment gekommen, um Themen, die mich schon früher fasziniert haben – wie etwa Frauenthemen oder das Leben selbst, das wir auf so viele verschiedene Arten leben – aus einer neuen Perspektive zu erforschen. Und um diese Gedanken und Erfahrungen in meiner Kunst auf eine Weise zu übersetzen, die ihnen neue Bedeutungen verleiht.
Das Werk von Nika Nuova ist nie statisch. Es verändert sich mit der Zeit, mit dem Licht, mit dem Blick der Betrachtenden. Ihre Arbeiten erfordern Aufmerksamkeit, einen tiefen betrachtenden Blick. Sie laden ein, ja ziehen uns geradewegs hinein, lassen uns, uns selbst in ihnen wiederfinden. Ihre Präzision in der Materialauswahl, ihre Kühnheit im künstlerischen Experiment und ihr unerschütterliches Bekenntnis zur Ästhetik machen sie zu einer besonderen Künstlerin, die keine Kompromisse eingeht. In einer Ära der Schnelligkeit und Oberflächlichkeit erinnert sie uns daran, dass Kunst Geduld erfordert, dass Spuren eine Bedeutung haben und dass Materialien, genau wie Menschen, Geschichten in sich tragen, die gehört werden wollen.